El manifiesto Gutai

El grupo Gutai fue uno de los más innovadores e importantes movimientos artísticos que emergieron en los años posteriores a la finalización de la II Guerra Mundial. Fue fundado por el pintor Yoshihara Hiro en Osaka en 1954, en respuesta al muy conservador contexto artístico de su época. Tokio ignorará al movimiento interpretándolo como una variante del arte informal hasta que el crítico de arte Michel Tapié lo descubre y le suministra una caja de resonancia internacional.

A partir de 1958 Gutai expone en Nueva York, Turín y Amsterdam; y en París en 1965. Hoy día es considerado como precursor de los happenings de Allan Kaprow, de las acciones de Fluxus y de las intervenciones al aire libre del Land Art.

MANIFIESTO GUTAI

Con nuestro actual conocimiento, las artes que hasta ahora hemos conocido nos parecen en general adornadas falsificaciones con una tremenda afectación. Permítanos deshacernos de esos montones de objetos falsos en los altares, palacios, salones y tiendas de antigüedades. Estos objetos están falseados y los materiales tales como pintura, piezas de tela, metal, barro ó mármol están llenos de falso significado por la mano humana y por la vía del fraude, por lo tanto, en lugar de solo mostrar su material, toman la apariencia de algo más. Bajo la apariencia de un esfuerzo intelectual, los materiales han sido completamente asesinados y ya no pueden hablarnos más.

Guarden esos cadáveres en sus tumbas, el arte gutai no cambia el material sino que le regresa de vuelta a la vida. El arte gutai no falsifica el material. En el arte gutai el espíritu humano y el material se extienden sus manos el uno al otro, aunque se piense que son opuestos el uno con el otro. El material no es absorbido por el espíritu. El espíritu no fuerza al material a la sumisión. Si alguien deja el material como es, prsentándolo solo como material, entonces comienza a hablarnos y lo hace con una voz poderosa. Manteniendo la vida del material viva también significa traer el espíritu a la vida, y elevar el espíritu significa dejar el material a la altura del espíritu.

El arte es la casa del espíritu creativo, pero nunca hasta ahora el espíritu ha creado el material. El espíritu ha solo creado lo espiritual ciertamente el espíritu ha llenado siempre el arte con vida, pero esta vida finalmente morirá así como los tiempos cambian. De toda la vida magneficiente que existió en el renacimiento, tan solo un poco de su existencia arqueológica pued verse hoy. Lo que aún conserva la vitalidad, aunque sea pasiva, podría ser el arte primitivo o el arte creado después del impresionismo.

Son estas cosas en las que, debido a la aplicación hábil de la pintura, la sumisión del material no ha sido exitosa, o así como los puntillistas o los fauvistas, esos cuadros en los que los materiales, aunque reproducen la naturaleza, no pueden ser asesinados después de todo. Hoy sin embargo, ya no son capaces de causarnos una profunda emoción en nosotros. Ya pertenecen al pasado.

Lo que ahora es interesante al respecto, es la belleza innovadora que se encuentra en las obras de arte y de arquitectura del pasado las cuales ha cambiado su apariencia debido al daño del tiempo o a la destrucción por desastres a lo largo de los siglos. Esto se describe como la belleza del deterioro, pero no es quizá que esa belleza que el material asume se deba a que se despoja de su maquillaje artificial y revela entonces sus características originales? Aceptar el hecho de que las ruinas nos reciben cálidamente y amablemente después de todo, y nos atraen a ellas con sus craquelados y superficies rugosas, es finalmente una señal de que el material ha tomado revancha y ha recapturado su vida original.

En ese sentido le doy mi respeto al trabajo de Pollock y Mathieu dentro del arte contemporáneo. Estos trabajos emiten el fuerte llanto del material, del aceite o del esmalte por sí mismos. Estos dos artistas luchan con el material de una forma que es completamente apropiada gracias a lo que han descubierto debido a su talento. Así también nos generan la impresión de estar sirviendo al material. La diferenciación y la integración crea efectos misteriosos.

Recientemente Tominaga Soichi y Domoto Hisao presentaron las actividades de Mathieu y Tapie en el arte informal, lo cual encontré muy interesante. No conozco todos los detalles, pero en el contenido presentado, existen varios puntos en los que estoy de acuerdo. Para mi sorpresa, también descubrí que ellos solicitan la inmediata revelación de cualquier cosa elevándose de manera espontánea. Y no se encuentran limitados por las formas previas predominantes. A pesar de las diferencias en expresión comparadas con las nuestras, encontramos todavía un acuerdo peculiar con nuestro clamor para producir algo viviente.

No estoy seguro, creo, sobre la relación entre los elementos pictóricos conceptualmente definidos tales como color, línea, forma, dentro del arte abstracto y las propiedades reales de la materia en el arte informal. En lo que a la negación de la abstracción se refiere, la esencia de su declaración no está clara para mí. En cualquier caso, resulta obvio para nosotros que el arte abstracto puramente formal ha perdido su encanto, de modo que la sociedad de arte gutai ha sido fundada hace tres años acompañada con el slogan de que es posible ir mas alla de las fronteras del arte abstracto y el nombre gutaii (concretismo) ha sido elegido para tal fin. Por encima de todo, fue necesario buscar un enfoque centrífugo, en lugar de aquel centripeta buscado por el arte abstracto. En aquellos días pensábamos, y todavía ahora, que los méritos más importantes del arte abstracto radican en el hecho